引言

演奏者要想更好地表现音乐作品，更贴近作品的原意，要做到三点。首先必须对乐曲了解，包括作曲家和创作时代背景；其次再去分析乐曲的曲式结构、表情术语等；最后结合演奏技巧，才能给音乐作品注入灵魂。本文对万哈尔《D大调协奏曲》第一乐章协奏曲进行了浅析。主要从两方面进行：一方面对这首作品进行简述，包括对于乐曲的作曲家万哈尔的生平以及乐曲的创作背景进行了简要介绍，对第一乐章曲式结构进行分析；另一方面对于协奏曲第一乐章中某些难点和重点中出现的演奏技巧进行分析并总结了演奏心得。这首乐曲是低音提琴演奏者重要的学习内容。目前，在国内外的低音提琴音乐会上，它仍是低音提琴演奏者们的首选。

一、作曲家简介与作品简介

（一）约翰·巴蒂斯特·万哈尔生平简介

约翰·巴蒂斯特·万哈尔于1739年5月12日出生在捷克北部的一个农民家庭，从小学习风琴、小提琴和作曲。由于万哈尔勤奋刻苦，使得他在十八岁时在家乡就小有名气。他经常使用小提琴、管风琴演出，还成为教堂合唱团团长。在那时万哈尔已经开始为器乐和教堂音乐作曲。

1760年，年仅21岁的万哈尔凭借精湛的小提琴技艺受到伯爵夫人的赏识并将他带到维也纳。在维也纳，万哈尔继续音乐学习。经过一段时间，卡尔·狄特斯·冯·迪特斯多夫（Carl Ditters von Dittersdorf, 1739.11.2-1799.10.24）收他为学生，指导其作曲。迪特斯多夫是维也纳著名古典乐派作曲家，这对万哈尔在当地的发展有很大的影响。在此期间万哈尔创作了大量的音乐作品并获得了皇宫贵族圈的青睐，在一些音乐会上也开始看到他的身影。1769年，万哈尔前往意大利，在立舒男爵的赞助下进行为期两年的留学之旅。经过深造，万哈尔在当时的维也纳音乐界已经颇负盛名，海顿和莫扎特都对他赞赏有加。在1774年，万哈尔还与海顿、莫扎特、迪特斯多夫一同演出过弦乐四重奏。1813年，万哈尔在维也纳去世，享年74岁。

万哈尔一生创作的作品包含多种体裁，作品数量可以称得上著作等身，近千首。

（二）作品的创作背景

1769年，万哈尔在意大利学习期间，在匈牙利结识了约翰·马提亚斯·斯佩格（Johannes Matthias Sperger），为斯佩格创作了他此生唯一一首为低音提琴所创作的协奏曲《D大调协奏曲》。此协奏曲共三个乐章。整首乐曲调性清晰，结构严谨、音响效果和谐。

斯佩格是当时的宫廷作曲家兼低音提琴演奏家，他为这首低音提琴协奏曲创作了华彩片段，这三段华彩乐段以手稿形式收录在斯佩格的遗作之中保存至今。后来有许多低音提琴演奏家在斯佩格创作的华彩片段的基础上进行二次创作，形成了多个不同版本的华彩；因为在低音提琴的演奏中有两种定弦方式（G-D-A-E和A-E-B-#F），也因为各个时代演奏者的个人创编，所以形成了多个不同版本的乐谱。

这首乐曲是对低音提琴演奏者来说重要的作品，是低音提琴独奏曲中的经典。

二、第一乐章曲式结构分析

第一乐章是4/4拍，速度为Allegro moderato（中庸的快板）。整体曲式为奏鸣曲式，带有引子和尾声。第一乐章由引子、呈示部、展开部、再现部、尾声五部分组成。以下为该乐曲第一乐章曲式结构分析。

第一乐章
	引子	呈示部				展开部			再现部			尾声
		主部	副部一	副部二	结束部	引入	阶段一	阶段二	主部	副部	结束部
小节	1-20	21-31	32-43	43-51	51-62	63-71	72-77	78-83	84-105	105-116	117-129	130-137
调性	D	D	A	A	A	A	A	D	D	D	D	D

（一）引子（1-20小节）

乐曲开头首先由钢琴进入，演奏20小节富有歌唱性的乐句。引子从乐曲主调的主和弦开始。伴奏和声以D大调I级和V级交替进行巩固调性，为即将出现的主题奠定基础。

（二）呈示部（21-62小节）

呈示部一共有四部分。第21小节到第31小节是主部。第21小节开始进入乐曲主题（谱例1），旋律线条优美，与引子部分呼应；第32小节到第43小节是副部一。调性转为A大调，节奏较之前稍缓，音域升高；第44小节到第50小节是副部二，调性仍然为A大调；第51小节到第62小节是结束部。

（三）展开部（63-83小节）

展开部一共有三部分。第63小节到第71小节为展开部第一部分，比较短小，起承上启下的作用。其中第63小节到第68小节的音乐材料来自呈示部的主题，第69小节开始与之前节奏不同，出现了新的节奏型——连续的切分音符级进进行；第72小节到第77小节为展开部第二部分，调性从b小调转A大调，以三小节为一句，两句之间节奏对称；第78小节到第83小节为展开部第三部分，调性回到D大调准备收尾。结尾时和声以属和弦为主，用再现部调性的属持续音为再现部作准备。

（四）再现部（84-128小节）

再现部一共有三部分。第84小节到第105小节是主部，再现主题材料并加以展开；第106小节到第116小节是副部（谱例2），与呈示部副部的旋律、节奏一致，不同的是调性回归到D大调；第117小节到第129小节是结束部。

（五）尾声（华彩-136小节）

华彩乐段后钢琴伴奏7小节，至此第一乐章结束。

三、第一乐章演奏分析

此协奏曲创作于1769年。据资料记载，该作品创作之初是建立在以低音提琴维也纳定弦（A-#F-D-A-F）基础上的，与现在低音提琴定弦（G-D-A-E）不同。由于低音提琴定弦的不同导致出现许多不同版本的乐谱，演奏技巧也有很大不同。本文主要针对由Klaus Trumpf整理，于1995年出版的乐谱版本中的第一乐章和华彩乐段中的某些片段进行演奏分析。通过音乐表达与演奏技巧两方面进行分析。

（一）音乐表达

1.音色

整个第一乐章犹如“自信的骑士”，当乐曲主题第一次出现由低音提琴演奏时（谱例1）右手需要提前进行准备，弓毛贴住弦再运弓开好乐句的头。虽然主题乐句的强弱记号是f，因此右手力度不可以太重，保证发声时琴弦充分震动且音色不噪。在演奏空弦sol要格外注意，右手不能改变弓子的运行轨迹，这样才能更好的保证音色。

2.时值

在乐句中有音符由低到高的旋律走向时，我们需要保持最高音的时值的准确度。例如第28小节（谱例3）的la，它是这一乐句的高潮点。演奏这个音时可以稍加力度将这个音站稳。

第44小节开始的这一乐句带有一个八分音符的起拍且谱面标记dolce（谱例4），代表这一句要抒情柔和一些。所以这个八分音符re不可以一闪而过。它需要保证半拍时值准确，让音乐进行下去与之后的do自然衔接。这样演奏才可以使音乐连贯不生硬。

3.力度

乐谱上的强弱记号是重要的，要注意到强弱对比。虽然第36、37小节与39、40小节（谱例5）节奏型一致，旋律一致，但不能把它当作简单的重复。要让两个乐句之间有对比。除了注意谱面上的强弱力度记号，我们还需要根据乐句的旋律、和弦的走向进行力度的分配，尽量把乐句起伏表现出来。

在第一乐章中，与主题句相似的乐句共出现三次。展开部的主题句音域升高，所以弓子靠近琴码演奏时音量自然升高，与演奏呈示部与再现部的主题句时的力度形成对比。

在这首乐曲中蕴含着激情的动机，但它属于古典主义时期的音乐。所以我们要遵循古典主义时期的音乐风格：将每一个音符谨慎处理，不可以太热情放肆地演奏，需要克制、沉着地演奏。要想将每个音符演奏准确左手要控制好音准，右手要控制好运弓。左右手也要协调配合，卡准节奏和拍点；要想融入感情，就要运用好揉弦并将自己代入音乐。演奏乐曲要像讲故事一样，一句一句表达清晰。投入感情声情并茂，这样才能感染听众。

（二）演奏技巧

1.运弓

（1）发声

由于低音提琴体积较大，弦比其他弦乐器粗很多。所以要想保证完美的音色，需要右手紧贴住琴弦，把握好弓毛与弦的接触点。在此基础上还需要注意运弓的速度和力度。右手太松会导致琴弦不震动，没有声音；右手太紧会导致琴弦被压发出噪声，音色不够自然。在演奏过程中，由于音高位置的不同，左手变换把位时，右手弓子的位置也要相对调整。

（2）泛音

例如第32小节开始是高把位的泛音演奏（谱例6），右手可以适当放松——演奏高音区的音符时将弓子尽量靠近琴码演奏，演奏泛音时弓子要紧贴住琴弦。

（3）顿弓

乐曲第29小节和第30小节是连续两小节十六分音符的顿音，并且是空弦与实音快速交替。我们可以将它看作两部分，一部分是持续低音，一部分是上行音阶。其中，重要的音不是一直不变的低音sol，而是有音高变化的音阶上行音符。所以为了突出音高变化的旋律，需要在演奏这些音符时调整右手角度与力量，弓子紧贴G弦。

第117小节和118小节也是由十六分音符节奏型组成。第117小节每个十六分音符的第一个音带点，是顿音，后三个音是连弓（谱例8）。这里的第一个音都是下弓，后三个音是上弓的连弓。在演奏完第一个顿音时，将弓子快速地移动至弓尖给接下来的三个音留够弓子位置。第118小节每个十六分音符的后两个音带点，前两个音连弓。第117小节与118小节弓法有转换，顿弓位置也有转换。

（4）连弓

在演奏第36小节到第40小节（谱例5）的十六分音符时，右手的弓子控制不好的话容易出现节奏不均衡的问题。这是因为连续的换把、换弦所导致的节奏不准确。解决方法是将每个音拉清楚慢练，保证每组音符使用的弓段相同。

从第69小节开始音乐节奏型发生变化，出现了连续大切分的节奏型（谱例9）。为了突出这一新节奏型，要将每个四分音符加重力度并保证音与音之间连贯，注意右手的弓子牢牢保持在琴弦上。

2.左手

在低音提琴的演奏中，左手控制的是音准、揉弦、换把、指法等。

为了音符间的连贯性和乐句的流畅性，因此要对下一个音符的位置做出准确的判断。例如第32小节（谱例6）中拇指演奏re时，三指就可以放在一弦sol位置上做准备；第44小节带起拍（谱例4），演奏re时也要准备好下一个音do。这样做可以有效地减少音与音之间的间隔时间，保证乐句的连贯性。

在华彩乐段（kadenz）中出现的一弓六连音的节奏型（谱例10），我们要保证左手每个音符落得准确并且根据弓子长度分配左手落指的速度，将六个音的时值分配均匀。

四、结语

对于分析乐曲的思路，首先必须了解作曲家的人生经历以及他创作乐曲时的心境；其次对乐曲结构框架分析；最后对演奏练习时的心得体会与演奏技巧进行总结。有些协奏曲创作的年代比较早，当时的乐器与现代乐器也可能会有一定差别，在演奏作曲比较早的作品时，应该了解当时的乐器与现代乐器是否存在差别，在演奏时要注意运用技巧化解困难；也应该对作曲家的风格以及作曲家创作的背景故事有所了解，这样才有利于演奏作曲时更好的表现出曲谱想要表达的情感。

通过对此协奏曲的分析研究，提高了笔者演奏低音提琴的技术，也使得对西方古典音乐风格有了进一步了解，增进了对于演绎乐曲的理解：不单单满足于视奏乐谱进行练习，更应该代入乐曲，与作曲家产生共情。将音乐与技巧结合起来，融入感情，通过演奏表演渲染听众，这样演奏出的音乐才可以让人赏心悦目。在演奏一首作品时，除了将谱子上的音符简单准确地表达，还需要进行表演。在舞台上，演奏动作规范是基础。呼吸也是表演的一部分，演奏作品时可以将气口融入乐句并表现得明显一些。正确合理的呼吸与演奏充分融合才可以更好地理解乐句、划分乐句、表达音乐。

参考文献：

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