引言

舞蹈是一门以人体为媒介的表演艺术，舞蹈演员是舞台形象最直接的呈现者，芭蕾舞演员更是长期雕刻身体和肌肉的舞蹈艺术，所以长期以来舞蹈界存在着一种“重技术、轻表演”的倾向——演员精于高难度技巧的完成，却疏于对人物性格与情感内涵的挖掘。观众走进剧场，看到的往往是炫目的旋转与腾跃，却难以被角色的表演和人物命运所打动。这种现象折射出一个深层问题：舞蹈演员对“角色塑造”这一核心命题的认识尚不够深入。芭蕾舞者更是要对“角色塑造”有更不一样的认识，因为一切的表演和人物刻画要建立在芭蕾舞的艺术审美学上，才能显得协调不突兀。

近年来，随着《五星出东方》《永不消逝的电波》等舞剧的广泛传播，观众对舞蹈表演的期待已不再局限于高超的舞蹈技巧，而是希望演员能够将隐含于作品之中的“人性部分”充分地表现出来，通过角色的命运 and 情感与自身产生内在的连接。这一变化对舞蹈演员和中国舞蹈艺术舞剧发展提出了更高的要求：在舞剧当中的每一个举手投足，都不应是无意义的肢体动作堆砌，而应是有机的、有意味的角色语言。要将心态决定神态的这一表演技巧灵活的运用在肢体动作之上。

本文立足于芭蕾舞蹈演员角色塑造的理论与实践，试图回答以下问题：什么是芭蕾舞蹈表演意义上的“角色”？芭蕾舞蹈演员如何借助身体语言完成角色的内在建构？从技术到表演、从动作到境界，芭蕾舞蹈演员需要经历怎样的自觉转变？通过对这些问题的探讨，期望为芭蕾舞蹈表演的理论研究和实践教学提供参考。

一、芭蕾舞蹈角色塑造的独特逻辑

（一）芭蕾舞蹈角色的非叙事性特征

与戏剧表演不同，舞蹈表演中的角色往往不具有完整的叙事逻辑。舞蹈角色多依赖于故事构架，情感片段、情境瞬间和意象呈现来建立人物的整体轮廓。这种非叙事性特征决定了舞蹈演员很难像话剧演员那样依靠对话推进情节表达舞剧故事，而必须用身体来“说话”——所以每一个动作的姿态、幅度、质感、节奏，都在无声地传递着角色的情感信息。舞蹈演员表演的过程中，也绝不仅仅是将作品从平面搬到立体空间，而是要在舞动时完全化身为角色，用肢体和情感来塑造人物本身。

同时在舞蹈当中又有多舞种的艺术不同性和肢体语言表达的特殊性，拿芭蕾舞来讲，芭蕾舞的肢体特殊性为整体发力向上力量较多，外开外旋发力较大，还有很多无语言的肢体肌肉展示，大部分的动作完成评估建立在肌肉雕刻质量之上，包括动作规律性的重复和表演表现内收。综合以上艺术特殊性体系，所以在舞剧当中芭蕾舞演员的人物表演成为了舞者本人的艺术巨大的挑战。

（二）肢体语言的表意体系

舞蹈角色的塑造，首先依托于高度形式化的肢体动作语言。芭蕾舞舞蹈表演是演员通过塑造“有意味的舞蹈形象”与观者进行信息交流的行为，高度形式化的肢体动作语言是构成“有意味舞蹈形象”的绝对要素。所以当下的芭蕾舞蹈演员必须具备双重能力：既要精准掌握一套富有芭蕾舞特定文化内涵的肢体语汇，又要善于将这套语汇转化为角色情感的外显表达。既要符合芭蕾艺术审美特殊性，又要将人物情感思路传递精准。

以中国古典舞为例，“云手”“山膀”“卧鱼”等程式动作本身并不具备确定的情感指向——同样在芭蕾舞训练当中从基本的battement tendu（擦地）到复杂的fouetté（挥鞭转），从静态的arabesque（迎风展翅）到跳跃的grand jeté（大跳），这些肢体动作形态更是非自然的人体美学雕刻，同时也不具备情感指向。

所以当角色的灵魂不在动作形式中，而在动作的质感之中。在剧目中演员可以是英雄的豪迈，也有可能是悲剧人物的诀别。同样是“指天”，在古典舞当中可以是悲壮与激昂之间只有微弱的重心差异；也可以是芭蕾舞王子对爱情的宣誓，在不同的艺术审美里再融入特定的角色神态，同样的“回眸”动作，可以是古典舞里绝望与眷恋之间的一息气韵表现，也可以是芭蕾舞里轴线与方位高度精确，这就是同样一个动作在不同的舞蹈语汇里传达出不同的艺术审美，古典舞的“回眸”是线的艺术，是气息不断，是情感绵延，是如同水墨在宣纸上慢慢晕开的感觉。在芭蕾舞肢体语言里身体轴线毫厘不差的忠诚约束之下，情感浓度像瞬间破壁而出的一束白光——芭蕾舞它不讲“气韵”，只讲“精确震撼”。所以当下芭蕾舞蹈演员的功力，是要学会用自我舞种特定的艺术语汇来捕捉这些细微的艺术表演差异，做到属于芭蕾艺术的独特表演，寻找艺术相通性，尊重艺术规律，创造出独一无二的艺术作品。

（三）角色与演员的辩证关系

角色塑造的更深层问题，在于演员与角色之间的辩证关系。舞蹈表演要求演员在舞台上“成为另一个人物”，但这并不意味着放弃自我。就像古典芭蕾当中王子、伯爵、村民、骑士等等。这是将“性格化”作为演员创造角色、塑造人物性格的根本途径是抓住性格和把握角色的精神灵魂，而“性格化”本身就是演员将自身经验与角色需求相融合的舞蹈表演技巧和方法。所以优秀的舞蹈表演不是自我消解，而是自我在角色中的升华——演员将自己的生命体验注入角色的身体，从而使舞台形象既有真实的质感，又有艺术的升华。这样的艺术表现手法才不会那么空洞死板，真正做到以人传情，以舞叙事。

二、身体感知与表演意识的深层递进

如果说动作语汇是角色塑造的“外衣”，那么身体感知和表演意识就是支撑这件外衣的“骨架”。没有内在感知的支撑，再精准的动作也会沦为空洞的技巧。尤其是在芭蕾舞蹈艺术当中是更需要用人物塑造角色灵魂，让舞蹈肢体不再那么空洞和课堂。

（一）身体感知：从技巧到表达的基石

身体感知与肌肉雕刻是芭蕾舞蹈演员对自身身体状态、动作质感和空间关系的敏锐觉察能力和支配能力。认识和感知身体，是将舞蹈艺术回归本体语言的路径——从身体出发，在个体表达中寻找内在空间与外在体现的连接，在整体表达中营造时空中的情感共振。这一认知对于角色塑造至关重要：芭蕾舞演员只有对身体拥有充分的感知力和协调力，才能准确驾驭动作的幅度与节奏，使每一个动作游刃有余地服务于角色情感与思想的传递。

不同类型的角色对身体感知的要求截然不同。舞剧《吉赛尔》：从炫技少女到幽灵维丽丝的情感跨度。第一幕中，她是热爱跳舞的农家少女，回眸中全是天真烂漫；第二幕中，她化为幽灵维丽丝，同样的arabesque（迎风展翅）动作，从少女的清纯浪漫到幽灵的空灵、冰冷，这是真正的角色表演带来的不同质感的相同动作。所以芭蕾舞者需要运用截然不同的呼吸方式——第一幕气息是短促、雀跃的，第二幕气息是绵长、下坠的。同一演员在同一舞剧中通过相同人物的不同时空空间完成这种情感跨度，是对其表演意识最严苛的考验。

所以芭蕾舞演员必须在长期训练中培养这种身体感知力，使之成为角色塑造的本能基础。这种训练体系在希望很早就纳入了芭蕾舞学生的课程当中，俄罗斯Vaganova（瓦岗诺娃）和（POB舞校）法国巴黎芭蕾舞学校会开设舞蹈表演课。从模仿小动物到身边的朋友再到特定的角色，让芭蕾舞学生从小具备独特的洞察力，模仿性和表演技巧。这样为今后的舞台舞剧做有效的铺垫。

（二）表演意识：从“跳动作”到“演角色”的观念转折

表演意识是指舞蹈演员在表演过程中对作品主题、人物情感和舞台关系的自觉把握能力。如笔者曾饰演过的芭蕾舞剧《旗帜》革命英雄：恽代英，芭蕾舞剧《家园》英哥，南拳，机器人，芭蕾舞剧《白蛇传》宋朝书生，沙弥。这些人物塑造成为技术训练与艺术呈现之间的桥梁——决定了一个演员是在“跳动作”还是在“演角色”。“一位优秀的舞蹈演员，不能以转得多、跳得高来要求来衡量他的艺术水平，而是要从角色出发，根据人物性格来做动作”。这一观点击中了舞蹈表演观念转变的核心：动作的价值不在于其技术难度，而在于它是否承载了角色应有的情感意涵。要让剧情通过角色这个载体，把精神情感传递给每一位观众。

表演意识的培养需要芭蕾舞演员在技术训练之外投入大量精力去理解作品、身临其境的揣摩角色。芭蕾舞演员需要思考：这个角色是谁？哪个民族？什么年代？经历了什么？此刻在想什么？他的情感从哪里进，又要往哪出？只有当这些问题在心中有了答案，舞台上的动作才不会显得死板僵硬，这一切不仅仅是技巧的陈列，而成为有血有肉的生命表达。

（三）情感内化与角色共情

芭蕾舞蹈表演的最高境界，是演员与角色之间的深度共情。在舞蹈编创中的情感表达必须以自身经历、真实情感为根基——要么与角色建立深度连接，要么主动“构建角色”。这要求芭蕾舞蹈演员不仅要有平日里扎实的技术功底，更要有丰富的生活积累和敏锐的情感感知力。唯有将情感融入每一个动作，实现“身心合一”，摒弃虚假模仿，用“信念感”赋予情感感染力，才能让观众真正共情。将肢体情感芭蕾艺术化，舞台化，高级化。实现真正意义上舞蹈的二度创作，将人物赋予独一无二的灵魂。既生动又不突兀，既传神又不失高雅艺术的规范性。

三、舞剧作品中的角色塑造解析

（一）《旗帜》：以身体凝练革命义士爱国情怀

芭蕾主旋律舞剧《旗帜》以1927年广州起义为创作主题，通过“战斗，黄埔，会议，屠杀，最后战役”等篇章，将广州起义以芭蕾舞的艺术形态转化为可感可观的舞台语言。该剧的成功，很大程度上在于演员对角色的准确把握——芭蕾舞者不再是传统意义上的王子，伯爵。而是以芭蕾之体为基石，在舞台上“描绘”出广州起义所有的英雄和人民的伟大故事。

对于笔者在剧中饰演恽代英前辈，角色塑造的核心在于找到——身体既要有芭蕾挺拔的向上发力，又要有共产党员坚定的内心和眼神意志。这种塑造方式深刻地体现了芭蕾舞演员对角色塑造的独特性：不仅需要芭蕾舞演员还原具体人物形象，还需要芭蕾舞演员以身体创造出一个具有坚定革命意志的英雄人物。这启示我们：舞蹈角色可以是具体的人，也可以是一种情感、一种使命、一种不怕苦难的革命精神。角色塑造的边界，远比我们想象的更为宽广。用西方艺术讲好东方故事，以《旗帜》这部芭蕾舞剧，致敬所有革命先辈。

（二）宋朝书生与芭蕾文化角色的当代表达

芭蕾与中华文化的融合，近年来在舞蹈创作领域呈现出日益深入的态势。用西方舞蹈讲好东方故事这一主题深入中国舞剧市场，芭蕾舞这一西方的艺术需要在中国生根发芽，不能只做对芭蕾舞蹈“形态”的表面移植，更在于对舞台上“人物”的刻画——芭蕾舞演员需要塑造出能够让本土观众产生情感共鸣的人物形象。在原创芭蕾舞剧《白蛇传》中芭蕾舞者用相似的高雅身体气质表演出中国古代读书人的儒雅书生形象，将芭蕾的优雅与中国书生的儒雅做到了惟妙惟肖的细腻融合，既有芭蕾形体的挺拔和肢体线条美，也融入了中国古代书生的神韵和意境之雅。抓住了芭蕾舞蹈与人物角色的相通性，这样的创编技巧与人物表现刻画，既超越了民间传说的简单复刻，又做到了深入挖掘故事内核，使所有角色在延续传统精神底色的同时，借助西方芭蕾艺术表演的思辨深度，得以充分展现各自的个性，从而构筑了“有舞有戏”的舞台画面。

（三）用芭蕾舞表达现实主义的家国情怀

原创现实题材芭蕾舞剧《家园》，该舞剧创新性地将粤剧水袖、南拳、英歌、舞龙、舞狮等岭南非遗元素融入芭蕾肢体语言，既保留了传统文化的形，又不违背芭蕾舞艺术特殊性的意，芭蕾舞演员需要不断揣摩各个人物角色和岭南文化，从而总结与提炼出符合芭蕾艺术审美的表现手法，通过角色表演，将文化特有的审美精神和情感意蕴内化于开绷直立的规约之中，尤其是英歌和南拳，既要有民进文化里的精气神，又要具备芭蕾舞长线条的外在张力与挺拔。真是实现了地域身体文化的芭蕾化呈现。让芭蕾成为一条坚韧而具有弹性的线，将各种岭南文化符号串联起来，使西方芭蕾在东方文化的滋养下焕发出新的生命力。创作实践共同表明，芭蕾在中国当代舞台上的本土化，关键不在于元素的简单叠加，而在于芭蕾舞者对每一个角色的理解和表达，在以中国题材为蓝本的创作中理解和把握根植于本土文化的角色类型，既是地域赋予的独特优势，也是一项需要持续深耕的课题——因为它意味着在高度程式化的西方芭蕾体系中，找到属于东方人物的呼吸、气韵和灵魂。

四、芭蕾舞演员进阶的困境与突破

（一）技术至上的惯性制约

尽管舞蹈界对表演意识的重要性已有广泛共识，但由于教学体系表演课的缺乏，使得很多芭蕾舞演员还是追求技术至上的惯性和不习惯表演的心理。这种惯性和心理制约着许多芭蕾舞蹈演员的角色塑造能力。正如斯坦尼斯拉夫斯基表演体系中“自然”（nature）解放天性，这是表演艺术领域的专业名词与基础训练课程，指演员通过训练使身心达到自然、松弛的状态，以克服紧张与杂念，从而更好地投入当下的表演。这一表演技法非常适合芭蕾舞演员用来学习和探索自我内心与人物的情感关联。所以芭蕾舞演员不光要具备芭蕾技术与艺术的超高水平，还要有近乎影视表演演员的人物刻画能力和模仿力，这样才能将人物情感重塑，肢体语言升华。通过不断的人物刻画和肢体表演，探索人物深层的精神，要不断打破肢体固有认知和习惯障碍，寻找到与其相同的精神共鸣，跳观众看得懂的舞蹈。所以芭蕾舞演员往往将大量时间投入技巧训练，而缺乏对表演的钻研投入。这一现象既与舞蹈教育长期以来“重技轻艺”的培养导向有关，所以需要演员自我本身不断地去通过不同舞剧去锻炼与打磨自己，在不同角色切换中去体验舞蹈人物刻画的快乐的同时，还能将芭蕾肢体语汇用高级的表达手法传达给观众。让芭蕾艺术真正做到，身材气质高雅挺拔，肢体表达通俗易懂。

（二）从“肢体表演者”到“人物造作者”的身份跃迁

角色塑造能力的实质性提升，有赖于芭蕾舞演员完成从“表演者”到“创造者”的身份跃迁。真正优秀的芭蕾舞蹈演员不仅是编导意图的执行者，更是舞台形象的再创造者。这需要演员从被动接受转向主动建构：主动去研究角色所处的文化语境，挖掘动作背后的情感逻辑，探索身体表达的更多可能，这才能把每一位人物角色做到活灵活现的二度创作展示。

（三）感知力作为角色的“灵魂”

在人工智能AI技术日益发展，高科技与机器人开始介入艺术创作的时代背景下，感知力恰恰是人类舞蹈表演不可被替代的核心灵魂，因为艺术创作最终必须回归人的本体感知。舞蹈演员在未来艺术生态中的不可替代价值：舞蹈肢体动作技术可以被模拟甚至超越，但其身体与情感的直接感知是机器无法复制的。这种角色的艺术塑造能力，从根本上说是“以身为媒”的身体感知与情感表达——它来自生命本体，也在为生命而舞。

五、结语

从技术训练到角色塑造，从身体感知到情感表达，芭蕾舞蹈演员的艺术成长之路本质上是“从技入道”的修行。综上所述本文围绕芭蕾舞蹈角色塑造的理论根基、身体与意识的互动机制和本人参与的典型作品实践以及芭蕾舞演员的进阶困境，较为系统地探讨了芭蕾舞蹈演员角色塑造的多维路径和西方舞蹈如何讲好东方故事，在不违背艺术特殊性的前提下，构造出独一无二的人物角色。

核心结论有三：

第一，舞蹈角色塑造植根于独特的艺术逻辑和艺术特殊性——它不依赖叙事的完整性，而是依托高度形式化的肢体语言，通过演员与角色的辩证融合来建立舞台形象。

第二，身体感知与表演意识是支撑角色塑造的两大基石——前者赋予动作质感，后者赋予动作灵魂，二者的深度融合构成了从“跳动作”到“演角色”的观念转折。

第三，从技术型演员向表演型演员的跃迁，是舞蹈表演艺术发展的内在要求，也是每一位芭蕾舞蹈演员实现人物角色升华的必经之途。

优秀的芭蕾舞者必须抓住舞蹈作品的主题，表达人物内心情感与内在矛盾的冲突，拥有较强的芭蕾舞蹈肢体表演意识。这篇论文所探讨的，正是如何让这种“表演意识”从隐性的舞台经验转化为显性的理论认知——这本身就是芭蕾舞蹈演员专业成长的珍贵阶梯。在未来的芭蕾舞蹈表演实践中，我们应当继续深化对角色塑造的研究，以身体为笔墨，以舞台为画卷，为观众呈现出更多有血有肉、有魂有魄的舞蹈形象。用心用情的是创作“无愧于时代的优秀作品”，再“用精湛的艺术推动文化创新发展”，最后“用高尚的文艺引领社会风尚”这是每一位当下的文艺工作者都应该去用心思考和努力完成的艺术使命。

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